JESÚS MORALES RUIZ – ARTISTA PLÁSTIC O
moralesruizjesusrafael@gmail.com Tlf: 0416-7992002
MUSEO DE ARTE CRUZ DÍEZ
“Grabados Extraordinarios”
“Grabados Extraordinarios”
Entrevista Realizada al Maestro Jesús Morales Ruiz
MUSEO DE ARTE CRUZ DÍEZ
MUSEO DE ARTE CRUZ DÍEZ
El programa La Obra de la Semana, exhibe una estampa de la Colección FMN, resguardada en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz- Diez que muestra el poderoso vigor expresivo de la imagen gráfica.
LA OBRA DE LA SEMANA.
LA OBRA DE LA SEMANA.
Jesús Morales Ruiz
Sin título
1980
1980
Aguafuerte y punta seca
Imagen: 13,6 x 11, 4cm
Imagen: 13,6 x 11, 4cm
Soporte: 32,5 x 25 cm
Donación del Artista.
Donación del Artista.
SOBRE EL ARTISTA:
Jesús Morales nació en Cumaná, estado Sucre. Cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas y en el Centro de Enseñanza Gráfica, CEGRA de Caracas. Posteriormente, se dedica a la docencia en diversas instituciones y escuelas de arte y a la producción de su obra. Actualmente, colabora en la promoción del trabajo de otros artistas, a través de la gestión con instituciones desde su lugar de residencia en la Isla de Margarita, estado Nueva Esparta.
Este artista confiesa su pasión por las artes gráficas, animado por superar la incertidumbre de los logros del lenguaje pictórico en oposición al modo de construir el espacio plástico de una estampa. Cabe considerar que la obra gráfica es producida a partir de una matriz que se diseña, antes de entintarse e imprimirse sobre una superficie. El proceso de estampar, en este caso, el aguafuerte y la punta seca, implica una suerte de hallazgos propios de la experiencia de Morales con los elementos y el modo en que los somete a su propósito, es decir, las artimañas del trato formal con el material: la plancha de metal, la punta de acero del buril, el ácido, el papel y la tinta de impresión.
Morales, también declara su preferencia por el mínimo formato, una constante en su obra gráfica. La miniatura tiene para este artista un reto a la par, concentrando su atención en construir delicadas tramas para mostrar el paso de la luz a la oscuridad y atrayendo al espectador hacia el goce por lo pequeño, lo cercano, aquello que debe mirarse íntima y minuciosamente.
Jesús Morales nació en Cumaná, estado Sucre. Cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas y en el Centro de Enseñanza Gráfica, CEGRA de Caracas. Posteriormente, se dedica a la docencia en diversas instituciones y escuelas de arte y a la producción de su obra. Actualmente, colabora en la promoción del trabajo de otros artistas, a través de la gestión con instituciones desde su lugar de residencia en la Isla de Margarita, estado Nueva Esparta.
Este artista confiesa su pasión por las artes gráficas, animado por superar la incertidumbre de los logros del lenguaje pictórico en oposición al modo de construir el espacio plástico de una estampa. Cabe considerar que la obra gráfica es producida a partir de una matriz que se diseña, antes de entintarse e imprimirse sobre una superficie. El proceso de estampar, en este caso, el aguafuerte y la punta seca, implica una suerte de hallazgos propios de la experiencia de Morales con los elementos y el modo en que los somete a su propósito, es decir, las artimañas del trato formal con el material: la plancha de metal, la punta de acero del buril, el ácido, el papel y la tinta de impresión.
Morales, también declara su preferencia por el mínimo formato, una constante en su obra gráfica. La miniatura tiene para este artista un reto a la par, concentrando su atención en construir delicadas tramas para mostrar el paso de la luz a la oscuridad y atrayendo al espectador hacia el goce por lo pequeño, lo cercano, aquello que debe mirarse íntima y minuciosamente.
ANÁLISIS PLÁSTICO:
La primera mirada del espectador se concentra en el mínimo espacio de la obra, de inmediato la atención converge en descubrir los detalles de las formas que surgen entre sutiles luces y sombras. Primeramente, observamos un jarrón con flores sobre una mesa, luego se distingue una trama de líneas que deja entrever una zona de luz en el centro de la obra. Una flor aparece como punto focal sobre el resto del ramillete que parece desvanecerse en la penumbra.
En este punto, el espectador siente la necesidad de acercarse un poco más y agudizar la mirada para encontrarse con los secretos de la técnica. La punta seca raya, directamente, sobre la superficie rígida, dejando un entramado de delicadas líneas. Esta técnica, generalmente, acompaña a otra, en este caso, el aguafuerte graba la imagen por la acción del ácido que dibuja y “muerde” la plancha de metal en sucesivos baños. Al hacerse la impresión, el resultado es ese rastro de tonos del negro al gris, o gris al negro que dibuja sintéticamente los contornos y enfatiza la luz sobre las formas.
Nuevamente, el espectador aparta su mirada del detalle para cerrar la imagen en su principio fundamental, el mismo de la obra gráfica, un tejido discontinuo que el ingenio simplifica para contemplar con deleite.
La primera mirada del espectador se concentra en el mínimo espacio de la obra, de inmediato la atención converge en descubrir los detalles de las formas que surgen entre sutiles luces y sombras. Primeramente, observamos un jarrón con flores sobre una mesa, luego se distingue una trama de líneas que deja entrever una zona de luz en el centro de la obra. Una flor aparece como punto focal sobre el resto del ramillete que parece desvanecerse en la penumbra.
En este punto, el espectador siente la necesidad de acercarse un poco más y agudizar la mirada para encontrarse con los secretos de la técnica. La punta seca raya, directamente, sobre la superficie rígida, dejando un entramado de delicadas líneas. Esta técnica, generalmente, acompaña a otra, en este caso, el aguafuerte graba la imagen por la acción del ácido que dibuja y “muerde” la plancha de metal en sucesivos baños. Al hacerse la impresión, el resultado es ese rastro de tonos del negro al gris, o gris al negro que dibuja sintéticamente los contornos y enfatiza la luz sobre las formas.
Nuevamente, el espectador aparta su mirada del detalle para cerrar la imagen en su principio fundamental, el mismo de la obra gráfica, un tejido discontinuo que el ingenio simplifica para contemplar con deleite.
Texto: Eudys Gamboa
JESÚS MORALES RUIZ
JESÚS MORALES RUIZ
“Grabados Extraordinarios”
Entrevista Realizada por el Museo de Arte Cruz Diez
GRABADOS.
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“Todo tiempo es oportuno para hacer una revisión del trabajo que realizamos, y justo, cuando se trata de imágenes creadas y realizadas; unas al agua-tinta y al agua-fuerte otras. En estos grabados, Jesús Morales quien también es pintor, asume una responsabilidad al utilizar sus técnicas para lograr unas manchas con algunas características absolutamente gráficas, revelando de hecho, algunos conocimientos de los tantos recursos, técnicas y posibilidades que éste fundamental procedimiento gráfico ofrece y que continúa en vigencia como medio de expresión.
No podría dejar de anotar la reafirmación que hace Jesús Morales, y de manera invariable sobre la versión particular que realiza del paisaje.
El presente y la tendencia hacia el futuro se caracterizan por aprehender el espectro estético, hasta lograr el propio discurso como creador.
Jesús Morales lleva un rumbo verdadero al que será "otra cosa" en cuanto se percate de otras realidades”.
Luis Chacón |
Premio Nacional de Artes plásticas (1973)
QUE IMPORTANCIA TIENE EN SU OBRA LA EXPERIENCIA CON LAS TÉCNICAS GRÁFICAS.
En el año 1977 utilicé el dibujo como el principal recurso gráfico en la realización de mi obra. El dibujo aplicado en los diferentes soportes: papel, cartón, metal, canvas, telas, etc, me permitió una obra tanto gráfica como pictórica, y que fuera experimentando importantes cambios en su realización.
La aplicación de las técnicas gráficas, constituyen el primer paso para la realización de mi obra. La consecución de estampas con el sistema de grabado, hizo que experimentara distintos progresos e innovaciones que me permitieron como artista trabajar con técnicas diferentes y materiales diversos, como la madera, el metal y la piedra, según las necesidades estéticas. La utilización del claro oscuro a su vez, me permitió suaves graduaciones tonales y me introducía al color.
En el año 1977 utilicé el dibujo como el principal recurso gráfico en la realización de mi obra. El dibujo aplicado en los diferentes soportes: papel, cartón, metal, canvas, telas, etc, me permitió una obra tanto gráfica como pictórica, y que fuera experimentando importantes cambios en su realización.
La aplicación de las técnicas gráficas, constituyen el primer paso para la realización de mi obra. La consecución de estampas con el sistema de grabado, hizo que experimentara distintos progresos e innovaciones que me permitieron como artista trabajar con técnicas diferentes y materiales diversos, como la madera, el metal y la piedra, según las necesidades estéticas. La utilización del claro oscuro a su vez, me permitió suaves graduaciones tonales y me introducía al color.
EN EL CASO DE ESTA PIEZA, ¿TIENE ALGUNA RELACIÓN LA TÉCNICA DEL AGUAFUERTE Y EL MODO DE PROCEDER CON ELLA CON EL RESULTADO, LA IMPRESIÓN FINAL?
En el siglo XIX el maestro Francisco de Goya trabajó el aguafuerte de un modo muy personal, como puede observarse en su serie - los caprichos, los desastres de la guerra- con vigorosos efectos dramáticos.
En la técnica del aguafuerte pueden diferenciarse, diversos tipos de grabados según la forma de impresión y la manera de preparar la matriz “la plancha”. El aguafuerte también parte de una matriz metálica, que en este caso parece cubierta por un barniz. El punzón al trazar el dibujo, va retirando el barniz y deja al descubierto el metal, que es después atacado por ácido (nítrico o clorhídrico). Según el tiempo del baño y la espesura de la capa del barniz, se logra distintas intensidades. La tinta se aplica sobre la matriz ya expuesta a la acción del ácido, una vez retirado todo el barniz.
En relación a la miniatura gráfica seleccionada por ustedes, titulada “Rosas para un viejo Amor”, fue realizada con la técnica del agua fuerte y punta seca (1980). Mi respuesta es sí, tiene que ver con el resultado de la impresión final.
En el siglo XIX el maestro Francisco de Goya trabajó el aguafuerte de un modo muy personal, como puede observarse en su serie - los caprichos, los desastres de la guerra- con vigorosos efectos dramáticos.
En la técnica del aguafuerte pueden diferenciarse, diversos tipos de grabados según la forma de impresión y la manera de preparar la matriz “la plancha”. El aguafuerte también parte de una matriz metálica, que en este caso parece cubierta por un barniz. El punzón al trazar el dibujo, va retirando el barniz y deja al descubierto el metal, que es después atacado por ácido (nítrico o clorhídrico). Según el tiempo del baño y la espesura de la capa del barniz, se logra distintas intensidades. La tinta se aplica sobre la matriz ya expuesta a la acción del ácido, una vez retirado todo el barniz.
En relación a la miniatura gráfica seleccionada por ustedes, titulada “Rosas para un viejo Amor”, fue realizada con la técnica del agua fuerte y punta seca (1980). Mi respuesta es sí, tiene que ver con el resultado de la impresión final.
EN ESTE ORDEN DE IDEAS, ¿CUÁL ES LA CORRESPONDENCIA DEL FORMATO MINIATURA CON LOS ELEMENTOS DE EXPRESIÓN Y EL TEMA TRADICIONAL DEL BODEGÓN QUE USTED RECREA TAN PARTICULARMENTE?
A partir del año de 1977 comencé a realizar mis primeras obras pictóricas en miniaturas (paisajes, flores y bodegones). Posteriormente cuando estudiaba en el Centro de Enseñanzas Graficas “CEGRA” (1979 – 1981), dirigido por la Licenciada Sol Bendayán, realicé mis obras gráficas en miniatura en las diferentes técnicas de impresión: Serigrafía, Litografía y Grabado. Fueron mis maestros: Alirio Palacios, Edgar Sánchez, La Nena Palacios, Manuel Espinoza, Abilio Padrón, Marielena Ramos, entre otros.
En 1980 obtengo el Reconocimiento en la I Exhibición de Miniaturas Gráficas TAGA. La realización de mi obra en el formato de miniaturas, me permite expresar mi creatividad, donde “El macro se subordina a lo micro”, permitiendo así ver el mundo reducido a una mínima expresión. Esta experiencia quedó grabada en tinta indeleble dentro de mi ser, y es la técnica que siempre dejo escapar en mi obra.
A partir del año de 1977 comencé a realizar mis primeras obras pictóricas en miniaturas (paisajes, flores y bodegones). Posteriormente cuando estudiaba en el Centro de Enseñanzas Graficas “CEGRA” (1979 – 1981), dirigido por la Licenciada Sol Bendayán, realicé mis obras gráficas en miniatura en las diferentes técnicas de impresión: Serigrafía, Litografía y Grabado. Fueron mis maestros: Alirio Palacios, Edgar Sánchez, La Nena Palacios, Manuel Espinoza, Abilio Padrón, Marielena Ramos, entre otros.
En 1980 obtengo el Reconocimiento en la I Exhibición de Miniaturas Gráficas TAGA. La realización de mi obra en el formato de miniaturas, me permite expresar mi creatividad, donde “El macro se subordina a lo micro”, permitiendo así ver el mundo reducido a una mínima expresión. Esta experiencia quedó grabada en tinta indeleble dentro de mi ser, y es la técnica que siempre dejo escapar en mi obra.
¿CÓMO CREE QUE SE RELACIONA EL ESPECTADOR CON SU OBRA, CUAL ES LA INTENCIÓN DEL CREADOR ANTE EL ESPECTADOR DE LA MISMA?
Generalmente el espectador, se relaciona de forma curiosa y positiva ante una obra en miniatura. El espectador tiene que ser una persona detallista y meticulosa para que pueda apreciar el trabajo del artista, que a su vez tiene que cautivar de múltiples formas al espectador a través de las diferentes técnicas.
En rasgos generales el artista tiene que seducir al espectador.
Generalmente el espectador, se relaciona de forma curiosa y positiva ante una obra en miniatura. El espectador tiene que ser una persona detallista y meticulosa para que pueda apreciar el trabajo del artista, que a su vez tiene que cautivar de múltiples formas al espectador a través de las diferentes técnicas.
En rasgos generales el artista tiene que seducir al espectador.
¿PUDIERA USTED MENCIONAR ALGÚN ARTISTA COMO REFERENCIA DE SU VOCACIÓN POR LAS ARTES GRAFICAS?
En Primer lugar tengo que mencionar al maestro Pedro Ángel González, Premio Nacional de Pintura 1942, quien dijo: “Luz y Formas, el problema no es lo que se busca, sino lo que se logra”.
En Primer lugar tengo que mencionar al maestro Pedro Ángel González, Premio Nacional de Pintura 1942, quien dijo: “Luz y Formas, el problema no es lo que se busca, sino lo que se logra”.
“Mi pintura ha evolucionado espontáneamente hacia una mayor luminosidad en el cuadro y en la depuración de las formas. La luz es mi problema fundamental. Si el paisaje que empiezo a pintar con buen sol, de pronto se nubla, nada puedo agregar a mi pintura, vuelvo al día siguiente”
Pedro Ángel González nació el 9 de Septiembre de 1901 en Santa Ana del Norte Estado Nueva Esparta, y muere el 31 de Marzo de 1981 en Caracas. Artista Plástico (Pintor, dibujante, diseñador, retratista, grabador), pedagogo y crítico de arte. El desarrolló todo un código de la representación de las formas del paisaje, tomando motivos del valle de Caracas, e interesado en la síntesis y la luminosidad. El maestro fue un artista para la comprensión de la obra de arte y su objetividad crítica, en este sentido, su labor se orientó a la historia de los salones oficiales, en los cuales le tocó juzgar la obra de las nuevas promociones.
Igualmente hay me mencionar a los siguientes maestros: Luis Chacón y Luisa Palacios, entre otros.
Jesús Morales Ruiz
Artista Plástico
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